本期推送将要介绍的是五位在“风景与想象之间——意大利当代艺术在中国”展里重新定义风景的艺术家，他们试图在现实之中寻找另一维度，将各自的艺术语言转化为一种揭示机制，用以显现潜藏于事物内部的风景，以及可见之物与想象之物之间那条不可见的边界。

 

戈德施密德与基亚里（Goldschmied & Chiari）的《睡莲》系列（Nympheas, 2007–）起始于对莫奈《睡莲》（Nymphéas）的致敬，却进一步揭示出一种令人不安的存在。人工睡莲污染了自然世界，而这一点只有在细致凝视之下才会显现。表层的美掩盖着一道创伤，艺术家作为观者的任务正是将其发现。在《云》（Cloud, 2012）中，艺术家的工作室被转化为一处“户外写生式”的布景场域，自然借助色彩鲜艳的有毒烟雾被人工再造。艺术史与风景在此成为可被重新再现的引用对象，也构成了对媒介本身以及对其大师神圣观念的挑战。它近乎游戏性，兼具激进性，视觉姿态的美感遮蔽着物质形态背后的毒性。

 

乔瓦尼·奥佐拉（Giovanni Ozzola）的摄影则试图在光与黑暗的关系中寻找光的本质。三联作《希望你在这里》（Wish You Were Here, 2023）、《只是两个迷失的灵魂》（Just Two Souls, 2023）以及《任何你喜欢的颜色》（Any Colour You Like, 2023）捕捉了黑暗与微光之间的间隙性空间，在那里，经验变得亲密，近乎私人。而在《未名色谱》（Untitled with Colours）中，面向大海的窗户映照出人的内在维度。在庇护的需求与向地平线敞开的欲望之间，在观看与在场之间，人始终悬置。

 

大卫·里瓦尔塔（Davide Rivalta）的雕塑性绘画源自一个明确而严谨的过程：艺术家首先拍摄动物，如犀牛、鹰、犬等，随后将摄影形态转译为具有浓重物质感、近乎身体性的绘画形态。由此产生的是一种悬而未决的张力，一方面，画布上的形象似乎轻盈地悬浮着 另一方面，颜料自身的重量又仿佛将其向下牵引。在《印度犀牛》（Indian Rhinoceros, 2006）以及一系列鹰的绘画作品（2017–2020）中，色调令人联想到夜空与深邃的蓝色。画中形象既不属于大地，也不属于天空，而是栖居于一种独有的中间空间之中，悬置于重力与飞翔之间。

 

马可·巴尼奥利（Marco Bagnoli）的纪录片《天穹之根》（Radici nel cielo），呈现了巴尼奥利宏阔艺术研究的复杂性，并进一步深化其诗性与观念维度，为理解他的创作提供了另一重路径。这一互动与对话机制，尤其是在本次展览所承载的中意文化交流语境下，让文化之间最深层的交汇再度浮现。在内在风景之中，我们重新获得其形式，它并非一种图像，而是一种观看方式。

 

 

萨拉·戈德施米德 1975年出生于意大利维琴察省阿齐尼亚诺市，埃莱奥诺拉·基亚里 1971年出生于意大利罗马。2001年，二人组成艺术组合，现生活及工作于米兰。

 

她们的艺术实践融合摄影、装置、表演与录像等多种媒介，持续围绕集体记忆、权力结构与女性身份展开深入探讨。通过构建沉浸式空间和精心设计的摆拍图像，她们审视了人造与真实之间复杂而微妙的张力关系。其创作的核心关注点在于自然与人工造物之间的互动：借由呈现那些仿佛被改造、悬置或处于不稳定状态的象征性景观与氛围，她们进一步揭示了这一关系中潜藏的矛盾、脆弱性与张力。

 

她们通过与众多国内外艺术机构及博物馆的合作，获得了广泛的认可。主要参展经历包括：成都双年展（2026）、威尼斯双年展（2022）、佛罗伦萨二十世纪博物馆（2019）、新泽西视觉艺术中心（2018）以及罗马国立现当代艺术美术馆（2017）等。她们于2012年获得里沃利城堡青年艺术家奖金，并于2007年获得博尔扎诺现当代艺术博物馆颁发的“Arte in Cantiere”奖。

 

影像

9' 39''

2023

在装置录像《云》中，探索烟雾短暂的本质，以电影手法定格其转瞬即逝的物质性，仿佛它是一个不断变化的雕塑。它可以从任何角度被观看，而在被感知的同时便逐渐消散，使空间变得空无。

 

棉纸艺术微喷

125x333 cm

2007

《睡莲》系列作品灵感源自印象派画家克劳德·莫奈《睡莲》系列的色彩、色调与光线。乍看之下，这些在罗马户外拍摄的影像，令人联想到一座抒情而沉浸式的水上花园。但当观者走近细看，视觉印象随即发生转变：那些看似花朵的物体，实为漂浮在河面上的塑料袋。图像激发了在美与现实之间、在艺术史想象与当代处境之间的思考。

 

 

展览现场

 

 

1982年出生于意大利佛罗伦萨，目前生活及工作于加那利群岛。乔瓦尼·欧佐拉未曾接受专业艺术院校训练。2001年，在伦敦生活数年后，他回到意大利，正式开启艺术创作生涯。

 

他的实践涵盖装置、雕塑、版画、摄影与影像等多种媒介，长期关注光、空间与时间之间的关系，探索可见与不可见、有限与无限之间的边界。在创作中，他常以城市与自然景观作为隐喻，指向更深层的哲学思考，呈现人类与环境之间复杂而微妙的互动关系。其艺术研究核心在于对个体感知经验的探寻，并将这种感知转化为视觉语言，引导观者进入一场关于存在、起源、命运与个人责任的反思之旅。

 

乔瓦尼·欧佐拉曾参与多个国际大型展览，包括：罗马四年展（2025）、成都双年展（2023）、威尼斯双年展（2022）、巴黎路易威登基金会（2018）等。他的作品亦曾在纽约切尔西艺术博物馆（2006）、东京森美术馆（2003）等多个国际艺术机构展出，并获得开罗奖（2011）、罗马人才奖（2010）等多项荣誉。

 

棉纸微喷印刷

33 × 48cm

2019

作品捕捉了光线在景观中骤然显现的瞬间，定格了某人或某物出现的时刻。

 

棉纸微喷印刷

230 x 150cm x 3

2023

作品由三幅摄影组成，艺术家从一座废弃建筑的内部取景，探讨内与外、个体与集体，以及光与影之间的关系。随着画面中海面反光与空间氛围的细微变化，作品呈现出时间的流动及其对感知与情绪的影响。墙壁、门与窗既象征庇护与边界，也暗示通向自由与未知的可能；而辽阔的地平线则在希望与迷惘之间，引发观者对归属、孤独与人类处境的思考。

 

 

展览现场

 

 

 

 

1974年出生于意大利博洛尼亚，现生活及工作于该地。1996年毕业于博洛尼亚美术学院，此后于1997至1998年间赴慕尼黑美术学院深造，师从克里斯蒂娜·伊格莱西亚斯。自2004年起，他一直于博洛尼亚美术学院教授雕塑。

 

里瓦尔塔的创作横跨雕塑、素描与绘画，其艺术实践始终围绕对圈养动物的细致观察展开。他通过摄影记录这些生命个体，并将其转化、重塑为具有强烈存在感的肖像形象。策展人雷娜塔·克里斯蒂娜·马赞蒂尼曾说过，里瓦尔塔犹如一位游走于传统与当代之间的“走钢丝者”：一方面，他坚守具象艺术的语言与古典美学原则；另一方面，又在当代语境中赋予作品新的观看维度。其创作深受贝尔尼尼、罗丹及梅达尔多·罗索等艺术家的影响，在材料与技法上，坚持采用青铜等贵金属，并延续失蜡铸造工艺，以此赋予作品持久而深远的历史性价值。

 

大卫·里瓦尔塔的作品被多家重要私人和公共机构永久收藏，并在国际范围内广泛展出，包括：罗马国立现当代艺术美术馆、意大利总统府、佛罗伦萨五月歌剧院以及法国穆然圣母生命礼拜堂等。他曾受邀在多家重要艺术机构举办个展，包括：布雷根茨图恩与塔克西斯宫（2006）、罗马国立现当代艺术美术馆（2016-2023）以及佛罗伦萨观景城堡（2019）。此外，他还参与了首届爱知三年展（2010）及第22届米兰三年展（2019）。

 

布面油画

240 × 440cm

2006

 

布面油画

210 × 150cm

2013

大卫・里瓦尔塔1974年出生于意大利博洛尼亚，现居并工作于当地，毕业于博洛尼亚美术学院并曾于慕尼黑美院深造，现任教于博洛尼亚美术学院雕塑系。其创作以圈养动物为核心主题，通过摄影与雕塑重构生命的存在感，在具象传统与当代语境之间展开，并延续青铜与失蜡铸造等古典工艺体系。

 

 

展览现场

 

 

 

1949年出生于意大利佛罗伦萨恩波利。马可·巴尼奥利拥有深厚的科学背景并获化学学位。自20世纪70年代后期崭露头角以来，他始终活跃在国际艺术前沿。

 

马可·巴尼奥利的艺术实践横跨绘画、素描、雕塑、环境与声音装置等多个领域。在持续的跨媒介融合中，他将审美经验与科学命题、视觉与色彩理论、图像学研究、古代知识体系，以及对空间与时间流动性的探索交织在一起。这种实践本质上是一种对思维分化与生成路径的探讨，使其作品成为同时容纳理性结构与直觉感知的“知识矩阵”。

 

他曾多次受邀参加重要国际艺术盛事，包括威尼斯双年展（1982、1986、1997）、卡塞尔文献展（1982、1992）以及荷兰阿纳姆松斯贝克雕塑展（1986）。他曾在多家享誉国际的艺术与建筑机构举办个展，包括：米兰二十世纪博物馆（2022）、那不勒斯多纳雷吉纳当代艺术博物馆（2015）、罗韦雷托现当代艺术博物馆（2002）、普拉托佩奇当代艺术中心（1995）以及都灵里沃利城堡当代艺术博物馆（1992）等。此外，他的作品被都灵市立现当代艺术画廊（2019）、那不勒斯多纳雷吉纳当代艺术博物馆（2016）等永久收藏。

 

 

 

 

 

影像

9’25”

2025

这件作品聚焦艺术家马可·巴尼奥利的创作实践与艺术方法。通过多位见证者的讲述，以及档案资料、文献记录、行为表演、诗歌朗读与分析，影片呈现了艺术家持续不懈对艺术的探索历程。

 

展览现场

 

审定 /  涂晓庞

审校 /  曾睿洁

摄影 / 黄欣琪

资料提供 / 莫熙悦

编辑 /  黄欣琪